28.10.08

PARAÍSO ROJO


Me gusta pensar que mientras estoy trabajando en una obra, ésta, me "guía" por donde debo ir. Supongo que es algo que pasa cuando nos va saliendo lo que de verdad queremos plasmar. Yo no suelo ver totalmente clara la obra en mi cabeza antes de empezar, tengo una idea de lo que pretendo transmitir, pero no sé exactamente cual va a ser el resultado final.

En este cuadro en concreto me ocurrió de manera clara. Comencé a trabajar en el lienzo para una idea que tenía. Realicé una aguada en rojo sobre el fondo, dejé que se secara un poco y lo coloqué en el caballete para que chorreara. Mientras estaba así, lo miré de lejos y me pareció ver una composición diferente a la que había pensado, pero la veía invertida.

Bueno pues cogí el lienzo, le dí la vuelta y "descubrí" un principio de paisaje lánguido, intenso... Así que volví a humedecer la superficie, intensifiqué el color en algunas zonas, lo atenué en otras, potencié y corregí ciertas manchas... Después de todo esto lo dejé secar horizontalmente para que no siguiera goteando.

Cuando estuvo seco y lo miré tranquilamente, veía un paisaje hermoso pero triste, de formas estilizadas y esbeltas y que parecía muy lejano, en el tiempo y el espacio. El sentimiento que me produjo fue melancolía.

No sé por qué, pero me apeteció escribir algo en el cuadro, unos versos que terminarían de potenciar lo que yo había sentido y lo que quería que sintiera todo el que lo viera. Aquí os lo dejo:

"Paraíso donde ROJO es la vida...
donde amanecer florece,
donde vive melancolía."

24.10.08

YO TE LO GUISO, TÚ TE LO COMES


Otro trabajo más de diseño. Se trataba de la empresa de unos buenos amigos de comida casera para llevar. En este caso debía crear un logotipo y adaptarlo y montarlo en diferentes formatos para diferentes elementos. La idea era sencilla, convencer al público de que lo que se vendía no era comida rápida ni nada por el estilo, era comida casera (y buena, doy fe, jejeje!!). No recuerdo si me lo propusieron ellos o fui yo el que pensó en la abuelita, fuera como fuese, era bastante obvia la relación de una abuela con la comida casera.Debajo os dejo el boceto del logotipo:


Utilicé colores cálidos, porque según me dijeron, éstos son los que se ponen en este tipo de establecimientos, ya que al parecer, abren el apetito (la verdad es que me fijado desde entonces en diferentes locales de comida y sí que utilizan casi siempre colores cálidos). A continuación os detallo qué es cada cosa: "a" y "b" son diseños para bolsas; "c" es el logotipo; "d" las tarjetas de visita; "e" y "f" son tapas de cartón para los envases; y "g" un cartel de 11 metros situado en la fachada.

21.10.08

CAMPANAS


Para hacer esta obra, utilicé unas fotos del campanario de la Ermita del Santo Cristo situada en el pueblo cordobés Pedro Abad. De aquí es mi amigo Fran (el cual me encargó el cuadro y al que mando un fuerte abrazo).


En su momento me llamó la atención el color y texturas de las campanas, por eso decidí trabajar con trazos rápidos y expresivos, así como con una paleta de colores vivos. Intenté conseguir que resultara una obra vibrante y con fuerza, como estas fantásticas campanas.

SAN MATEO


Estos dos apuntes los hice para la invitación de boda de una amiga. La Iglesia de San Mateo en Jerez de la Frontera fue donde se casó y aquí os dejo las fotos de referencia utilizadas:

Me hizo mucha ilusión que Miriam me pidiera estos dibujos para su boda, así que gracias por pensar en mí para un día tan especial y que espero fuera el primero de muchos.

ATHLETIC

No sé como llamar exactamente a la transformación realizada al escudo de este equipo de fútbol que me sirvió de punto de partida para la composición. Puede que geometrización, esquematización, de alguna manera quizás también abstracción... la verdad, me pierdo con las etiquetas, jeje! Aquí debajo os dejo el boceto realizado con photoshop:


El caso es que simplifiqué las formas bastantes, llevándolas hasta elementos geométricos básicos, aunque procurando que se reconocieran. Lo mismo hice con los colores y dibujé un trazado de lineas creando una serie de ritmos en la superficie del cuadro, cosa que ayuda a adivinar un poco mejor las formas de los diferentes elementos de la composición.


Utilicé la madera como soporte porque mi intención era que también la forma del cuadro fuera un símbolo. En este caso su diseño, es similar al del propio estadio de San Mamés. Como dato curioso, las medidas reales del estadio (103 x 68 metros) tienen su equivalente en las dimensiones de la obra (103 x 68 cm.).


El diseño gráfico también esta muy presente en esta obra, sobre todo por su estética. Fue un regalo para dos personas a las que tengo mucho cariño y que son del Athletic de Bilbao hasta la médula (un beso muy grande, Nieves y Mercedes, aunque esté lejos).

19.10.08

TIERRA Y MAR


Con esta obra, mi intención era plasmar los conceptos de tierra y mar. Mi idea consistía en hacer patentes las diferencias entre ambos elementos, a la vez que destacar el hecho que el uno sin el otro no podrían entenderse. Algo así como el yin y el yan, es decir, opuestos pero complementarios.

Para ello simulé como la tierra participaba de la esencia del mar, su fluidez, así como el mar adoptaba la esencia de la tierra, su solidez. Los efectos visuales que utilicé para ello fue, el hacer una especie de "chorreado" (dripping) con arena, fijándola con cola de carpintero. Con esto conseguí que la tierra se esparciera sobre el formato como si fuera líquida. Para "solidificar" el agua, realicé una plantilla de cuadrados de diversos tamaños en un panel de madera y los distribuí como si también hubieran sido esparcidos sobre el tablero. Los ritmos de cada uno de estos elementos eran opuestos y a la vez se complementaban formando una especie de círculo en sus direcciones. Aquí debajo os dejo dos bocetos previos y los primeros pasos de la realización de la obra:


Al igual que utilicé arena para el elemento tierra, opté por diluir y chorrear el esmalte de plata por todo el formato de la obra sobre una capa de pintura acrílica de un color verde-azulado oscuro, intentando conseguir los brillos y transparencias de agua del mar.

Coincido con la opinión de algunos amigos y compañeros de que hubiera sido mucho más impactante que las medidas de este cuadro fueran mucho más grandes, pero era un encargo y me tenía que ceñir a unas medidas. De todas formas, en mi opinión, la obra resultó bastante acertada en cuanto a crear sensaciones en el espectador y bella estéticamente hablando (propiedad que valoro mucho en cualquier obra).

DISEÑOS #1


Los diseños a y b, son dos versiones del logotipo de un club de slot de Jerez de la Frontera. Utilicé un icono muy significativo de esta tierra (que es la mía) como es un caballo con el enjaezamiento típico; la bandera de cuadrados blancos y negros utilizadas en las carreras y la tipografía de letra similar a la utilizada por el circuito de velocidad de Jerez.

La imagen c, es un diseño basado en elementos decorativos celtas.

El diseño d, está basado en algunas runa
s vikingas.

La última imagen, es un diseño de un rosetón decorativo basado en la forma y colocación de las piezas de ajedrez sobre el tablero (la lectura en el diseño sería del centro hacia afuera). Quizás alguna de las piezas sean difíciles de ver, así que aquí debajo os dejo unas imágenes que os facilitarán reconocerlas:


18.10.08

WANTED...


Después del trabajo tan delicado y milimétrico de la obra "Zamudio 2004" (más abajo expuesta), me apetecía simplemente "pintar" sin preocuparme de formas concretas y de boceto previo que me atara. Así que me puse mis auriculares, cogí una brocha y al ritmo de "Wanted dead or alive" de Bon Jovi pinté este cuadro. Me gusta pensar que plasmé al menos algo de lo que transmite la canción. Aquí debajo os la dejo para que la escuchéis si os apetece o para el que no la conozca:



He resaltado dos detalles del cuadro:

En uno de ellos se explica de dónde sale el trazado rojo: es una zona del contorno del logotipo de Harley Davidson, ya que habla en el estribillo de la canción de "caballo de acero", aludiendo a la moto de esta marca (según tengo entendido).


El otro fragmento, detalla una zona de la partitura (corresponde al arpegio del principio y final de la canción). También me gustaría explicar que la partitura se ve como si estuviera en un espejo. Con esto, quise simbolizar como la música se reflejaba en la pintura.


El dripping fino de esmalte de plata hace referencia al sonido metálico de las cuerdas de la guitarra, tanto de la acústica (en el inicio y final de la partitura en la parte superior) como de la eléctrica (en la zona en la que las gotas se estiran hacia arriba simulando la tensión de las cuerdas en la parte más dura de la canción).

La partitura esta rota en dos y colocada en ángulos opuestos de la composición debido a que la canción comienza y acaba de la misma manera, con el arpegio de la guitarra acústica.

ZAMUDIO 2004


La obra que os presento aquí, tiene mucho significado para mí. Por un lado, fue mi primer gran encargo y por otro, fue el primer cuadro que hice después de haber quedado impactado por una exposición de Fernando Zóbel en Sevilla. Había comenzado ya con bocetos y pruebas y un día, fui a esa exposición y me di cuenta de lo que quería que sintiera la gente cuando viera mis cuadros. Así que deseché lo que había hecho hasta entonces y comencé de nuevo.

En este cuadro se entremezclan mucho más que en otras ocasiones, mi trabajo como pintor y como diseñador, debido al carácter como imagen de empresa que lleva el encargo. Digo esto porque realicé esta obra para una empresa y los elementos de partida fueron su logotipo y la estructura de la nueva nave donde se trasladaba la empresa. En su concepción, se entremezclaron, mucho más que en otras ocasiones, mi trabajo como pintor y diseñador.

Aquí debajo, he colocado algunos de los bocetos previos para el trazado lineal. Creo que se puede apreciar cómo se va transformando la estructura arquitectónica de la nave en la abstracción final.

En cuanto al color y su simbología, procuré respetar lo máximo posible los corporativos, así como la forma de hoja del logo (aunque tuve que adaptarla un poco al formato utilizado). Los contornos nítidos de las manchas refieren profesionalidad, pulcritud y perfección del trabajo de la empresa; el difuminado, la apertura a los nuevos tiempos, las nuevas ideas y al futuro en general.


Las líneas están representadas mediante hilos negros sobre soportes de plástico. Elegí este material en concreto debido a que la empresa es una encuadernación industrial y mi intención fue la de contraponer uno de los materiales primarios del oficio, frente a la modernidad trasmitida por el referente real (el edificio moderno) del trazado: lo exquisito del trabajo artesanal junto a los medios y eficacias modernas.


Acabé muy contento con la obra y me hizo mucha ilusión verla colgada en el hall de entrada de la empresa.

17.10.08

ÍCARO & FÉNIX


Estos cuadros son de mis favoritos porque creo que aunque hace tiempo que los hice, reflejan bastante de mi personalidad como pintor e incluso tienen mucho que ver con uno de los caminos que voy a seguir en mis obras futuras (o eso pienso a día de hoy, nunca se sabe).

Voy a repetir exactamente lo que puse en mi otro blog (ya que esta obra también está allí), porque lo que tengo que contar de estas obras, es exactamente lo mismo:


"Expongo estos dos cuadros juntos porque en principio constituían uno solo. La idea original era interpretar el ascenso a los cielos, el clímax del vuelo y la caída al mar de este personaje mitológico.

Elegí tres
formatos verticales para acentuar el efecto tanto de ascensión como de caída. Realicé primero el momento del clímax del vuelo, cuando Icaro se acerca demasiado al sol, ya que era el eje central y el momento álgido tanto del vuelo como de la obra (ya que iba en el centro de la composición). El caso es que cuando acabé la obra y la vi completa me di cuenta que el formato general (con las tres piezas juntas) había perdido mucha de esa fuerza que le daba la estructura vertical (ahora se acercaba mucho a un cuadrado). Opté por dejar como obra completa sólo el cuadro central, ya que por sí mismo, transmitía todo el dramatismo y tensión de este momento mitológico, "El vuelo de Icaro".

Como curiosidad, y aunque no se aprecia aquí, pues hay que verlo de cerca, en la zona del verde grisácea del cuadro que correspondería a las alas, apliqué encaústica (cera líquida) ya que según la leyenda, la caída fue resultado de que al acercarse al sol, la cera con la que Icaro tenía unidas la
s plumas de sus alas, se derritió. Aún así, pensé que las otras dos piezas no las podía desechar, porque funcionaban muy bien, y al observarlas una al lado de la otra lo primero que se me vino a la cabeza fue el resurgir de las cenizas y la vuelta a sucumbir en ellas del Ave Fénix. Así que al final me encontré con dos obras en vez de una (un "dos por uno", jeje!)."



Lo que sí añado es el garabato de donde salió la idea, el boceto del cuerpo, la prueba de color, foto de los materiales utilizados y algunos que al final no lo fueron y una foto del cuadro en la facultad (lo podéis ver sobre estas líneas).

SABES...


Fue un encargo de unos amigos y lo querían para el cabecero de su cama. Intenté representar algo de su relación de pareja y de las relaciones de pareja en general. Lo que más me llenó, fue cuando mi amiga me dijo que veía detalles de su relación plasmados en el cuadro... Es lo mejor que me pudo decir.


Incluí un detalle en el cuadro que mis amigos no sabían, fue una sorpresa. Les dije que cuando colgaran el cuadro lo sabrían (ya que se acostarían bajo él). La sorpresa era una frase que escribí en el canto inferior del bastidor, de tal manera que cuando se acostaran pudieran leerlo y se leía: "Sabes que lo sé... pero dímelo de nuevo" (de aquí el título de la obra).




Supongo que se puede notar que en ese momento estaba aprendiendo mucho sobre historia del arte y era como una esponja, jeje! Todavía está muy patente el Pop Art, empezaba a jugar un poco con toques más expresionistas... Bueno, mucha mezcla.

RETRATO DE CRISTINA

Con este cuadro disfruté mucho. La técnica utilizada la aprendí en tercer curso y allí hice esta obra. Lo mejor fue mezclar los colores (realizados con pigmento y cera) con el soplete. Apliqué los colores base y fui mezclándolos con calor, dejando que se combinaran inclinando el cuadro hacia donde me convenía.

NATURALEZA DIOSA MADRE... VIDA

Bueno, con esta obra comienza mi andadura como pintor, jeje!

Fue el trabajo de final de curso de la asignatura de Procedimientos Pictóricos en tercer curso. El fin último, era hacer una obra personal utilizando diferentes materiales y técnicas.

La verdad es que no recuerdo exactamente como surgió la idea. Creo que fue por un garabato que hice un día sobre la cara de un indio (que al final llegaría a ser el elemento común de los cuatro cuadros de la obra). El tema de los cuatro elementos siempre me ha llamado la atención y lo sigue haciendo, aunque la verdad, tampoco se muy bien por qué.

El hecho es que quise hacer mi pequeño tributo a la Madre Naturaleza y el simbolismo es sencillo. La mancha central basada en el retrato de un jefe indio, representa a las personas y la elección de la raza india (a parte de que siempre me ha atraido esa cultura) es por la estrecha relación que mantenían con la naturaleza.

Los cuatro colores son una esquematización de las diferentes razas del mundo, un símbolo de la variedad de razas.

La representación de las propiedades de los cuatro elementos las hice a través de las texturas, por ejemplo, el tercer cuadro, el de la tierra, pues está hecho con arena y algo de pigmento (nogalina). También la manera de aplicar la pintura, tiene que ver con las propiedades de cada elemento: dripping, ráfagas de pintura...

ZOO DE JEREZ

Estos apuntes los realicé del natural en el zoo de Jerez. Era un trabajo que tenía que hacer para la facultad y aproveché para decirle a mi gran a migo Honorio que me acompañase y allí estuvimos los dos dando vueltas entre animalillos y pasando un buen día.

ACUARELAS

Las acuarelas de los animales las hice con referencias de fotos, las otras dos son modelos del natural y la última es una prueba de color con la "forma" de unos labios.

STAIRWAY TO HEAVEN

Éste fue el trabajo final de la asignatura de Perspectiva en tercer curso. Se trataba de elegir una fotografía y sacar los puntos de fuga y demás datos necesarios para continuar el paisaje. Elegí una foto que saqué en la Plaza de St. Michel de París, me encantaban esas gárgolas, jeje! Además, podía averiguar fácilmente alguna de las medidas de la foto y eso me resultó muy útil a la hora de llevarlo a cabo.

El dibujo representa al Limbo, un lugar entre el Paraiso y el Infierno... Si bajas llegarás al Infierno y si subes, llegarás al Cielo. Aprovechando esto último, se me ocurrió ponerle el título de una de las más míticas canciones de la historia del rock... "Stairway to Heaven" de Led Zeppelin.

16.10.08

FOTOGRAFÍAS

Algunos apuntes que realicé basándome en fotografías.

MODELOS #3

Bueno pues, más apuntes a color.

15.10.08

MODELOS #2

Algunos apuntes más del natural.

MODELOS #1

He recogido una selección de apuntes realizados en tercer curso durante la clase de dibujo. Estos apuntes rápidos del natural, me encantaban, disfrutaba mucho de este tipo de ejercicios y la técnica que prefería usar para ello era tinta aplicada con un palillo de dientes.

14.10.08

ANATOMÍAS

Dos apuntes del natural en clase de Anatomía en segundo.

DESNUDO MASCULINO

Uno de los trabajos finales en la asignatura de dibujo en segundo curso.

Gracias Juan...

DESNUDO FEMENINO

Simplemente un apunte a color del natural en la asignatura de Pintura en segundo curso.

MARAT

Éste fue otro trabajo de mi primer curso en la facultad, para la asignatura de Dibujo. Debíamos interpretar una obra conocida, también en un estilo del siglo XX y como no... El descubrimiento del mundo del Pop Art me había dejado fascinado gracias a mi anterior trabajo en la asignatura de pintura (como podéis ver en la anterior entrada), así que opté por elegir este estilo de nuevo, para "transformar" esta mágnifica obra de arte como es "La muerte de Marat" de David.

Siempre me había estremecido esta obra por su desolada atmósfera y naturalismo en la técnica, sin embargo, me llamaba mucho la atención la artificiosidad, teatralidad y perfecta y estudiada composición hasta el más mínimo detalle. Es como si fuera el final de una obra de teatro romántica en la que todo está perfectamente pensado: la caída del brazo, la carta en la mano, la hérida límpia y el mínimo reguero de sangre, la cabeza perfectamente apoyada en un rictus casi meláncólico...

Para ser sincero, esta lectura la hago ahora desde la perspectiva del tiempo y los años pasados. Y es curioso como, aunque en su momento (al menos de forma consciente) no pensé en estas ideas, la elección que hice del movimiento pop para la interpretación, refleja a la perfección e incluso realza esta manera banal de contar algo verdaderamente trágico como es la muerte.

Aquí os dejo la obra original de David y la reflexión o explicación que entregué en su momento con el trabajo:




La verdad es que me gusta mucho esta obra y precisamente esa simbiosis entre lo trágico y lo banal, me parece muy interesante.

TIC TOC!

Aquí os dejo el primer cuadro que hice después de entrar en la facultad. Se trataba de realizar una obra basada en uno de los bodegones que nos ponían en clase y trabajarla al estilo de un artista o movimiento del siglo XX.

Esto me dió la oportunidad de conocer bastante al artista Roy Lichtenstein (ya que el trabajo era mitad teórico, mitad práctico), del cual me llamaba mucho la atención su estética cercana al cómic, limpia y colorida. Tras investigar un poco sobre Lichtenstein, pude conocer mucho sobre su técnica, el Pop Art y sus artistas y su teoría como movimiento.

El caso es que aprendí y me divertí mucho pintando, a pesar de que fue un trabajo duro (me construí mis propias plantillas de puntos, uní las dos tablas con una bisagra de piano...). Aquí dejo algunos bocetos previos y la foto del bodegón:




Como anécdota, el cristal del reloj que se ve abajo, me sirvió para realizar un homenaje al propio artista, ya que los brillos y la trama del reloj, estan basados en su obra "Mirror no.1" de 1969 (a la izquierda de esta frase).

Fuese como fuese, esta fue la primera vez que cogí unos pinceles y acabé un cuadro.

13.10.08

Interpretación Frazetta "NEW WORLD"

Bienvenidos a mi nuevo blog!

Aquí colgaré los trabajos de PINTURA, APUNTES, DISEÑO...

He querido comenzar este blog con el primer trabajo que realizé a color (antes lo más cercano al color que estuve era con mis rotuladores Carioca, jejeje!!), una interpretación de Frank Frazetta, el cual es uno de mis artistas más admirados. Tuve la chulería de comenzar en el mundo del color, intentando interpretar una obra suya, pobre iluso, jeje!

Es un cuadro al que le tengo muchísimo cariño y por esto, hace poco se lo regalé a mi hermana, quién mejor que ella para que lo conserve.


Bueno pues sólo espero que disfrutéis de los trabajos que iré mostrándoos aquí y que me déis vuestra opinión sobre ellos.